Después del éxito cosechado con la versión online de Monopoly y Google, llega Monopoly City el juego de mesa por excelencia totalmente renovado.
Ahora los fans de MONOPOLY pueden construir una ciudad real en 3-D en el centro del tablero de juego, con la versión más reciente de Hasbro del juego de mesa más famoso del mundo, MONOPOLY CITY.
El fantasma de la emigración en acción
Roberto Andò nació en Palermo en 1959. Tras cursar estudios de Filosofía, comienza a colaborar como asistente de dirección con grandes nombres de la pantalla como Federico Fellini o Francis Ford Coppola. Desde 1980, su carrera profesional se desarrolla entre el teatro y el cine. En esta ocasión, estrena en España una pieza atravesada por el fantasma de la emigración, del exilio y de todos los sentimientos que se derivan de no pertenecer a ningún lugar.
Concierto del pianista en el Festival de Otoño de Madrid
Otro highlight en el Festival de Otoño de Madrid: el concierto de Sakamoto. Afirmando influencias desde Beethoven a los Beatles, los intereses musicales de Ryuichi Sakamoto son inusualmente diversos: pop, tecnopop, jazz, bossa nova, clásico, contemporáneo, acústico, eléctrico y músicas del mundo. Uno de los compositores más premiados de la escena actual, Sakamoto se ha caracterizado a lo largo de su carrera por romper las barreras entre música y tecnología.
Meditación con David Lynch sobre la creatividad
Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas.
En Atrapa el pez dorado, el director de cine David Lynch abre una pequeña ventana de su mente, a sus procesos creativos y a lo que le mueve a elegir ciertos temas. Se trata de un ensayo sobre el origen de las ideas y la creatividad, aplicado al universo Lynch.
Sonidos islandeses en La Casa Encendida
En el año 2006 Nico Muhly, Ben Frost y Valgeir Sigurdsson fundan el sello islandés Bedroom Community. Ahora, unidos a Sam Amidon emprenden una gira europea con un proyecto colectivo al que han llamado Whale Watching Tour. Más que como una serie de conciertos al uso, la gira se presenta como una experiencia musical única, un cóctel de artistas con inquietudes similares y orígenes musicales diversos.
A contemporary look at classic Islamic Art
The exhibition Taswir – Pictorial Mappings of Islam and Modernity, taking place starting from 5th November at Berlin´s museum Martin-Gropius-Bau, shows selected precious objects of classical Islamic art as well as significant works by 20th-century and contemporary artists, most of whom have an Islamic background.The 250-odd works on display offer a contemporary look at Islamic forms of visual expression. Laid out on an associative basis into 18 “theme rooms”, the exhibition provides avenue for encounters between East and West, classical and contemporary artworks, Islam and Modernism.
Un Manga erótico
El Manga “La espinaca de Yukiko” es una historia de amor que vivió autor francés Frédéric Boilet en Japón, permitiéndo así conocer una interesante parte de su vida y a la cultura Japonesa un poco más.
John Cage and Experimental Art
His name is highly familiar, but his work not widely or well known. John Cage (1912-92) defined such a radical practice of musical composition that he changed the course of modern music in the last century and shaped a new conceptual horizon for post-war art. With the aim of capturing the relevance of Cage’s contribution to contemporary art, the Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presents the most extensive exhibition to be devoted to the artist on the international stage since his death.
El maestro de la música minimalista visita Madrid
El Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC) abre las puertas del Auditorio 400 del Museo Reina Sofía al extraordinario compositor y músico americano Steve Reich, acompañados del genial grupo neoyorquino Bang on a Can.
Ein anatolischer Blues
Wunderbar poetisch beschreibt Selim Özdogan die Geschichte von Gül, der Lieblingstochter des Schmieds, die ein Leben führt zwischen Geborgenheit und Enge, Tradition und Neuzeit, Verzicht und Glück.
DIE TOCHTER DES SCHMIEDS ist ein Portrait der Türkei in den 40er Jahren.
Una versión africana en el Festival de Otoño
El último Festival de Otoño antes de pasarse a la primavera presentará una MÉDÉE de Max Rouquette que el Théâtre Nanterre-Amandiers sitúa en Africa para resaltar la validez universal e intemporal de ciertas historias y personajes.
Un hada noruego
A medio camino entre los universos que habitan Múm y Tom Waits, en la misteriosa encrucijada en que se dan cita Björk,y Joanna Newsom, Stina Nordenstam y Billie Holiday, se encuentra el lugar del que surge la música ensoñadora y refinadamente vanguardista de la noruega Hanne Hukkelberg.
Genç Sufi Young Sufi’s Mystical Sufi Music
Sound and music occupy an important place in the life of most Sufis. It is a tool for the believer to get closer to God, dissolving the physical realm into the spiritual one by polishing the heart and enhancing the spiritual aspect of the human being over the physical being.
Un cocktail en directo con Los Coronas + The Hi-Risers
Los Coronas son, sin duda, el grupo pionero y de más repercusión del surf instrumental en España actualmente. Desde su formación en 1991, han pasado de crecer a la sombra del surf instrumental más purista a reinventar un género que resulta estar más vivo que nunca. Claramente influenciados por la música de Duane Eddy, Link Wray, Dick Dale, The Ventures o The Shadows, con el tiempo han sabido dar una vuelta de tuerca a su sonido añadiendo un sabor inconfundiblemente hispano. Si el estilo del surf instrumental se ha convertido en algo universal, ellos han decidido darle un sabor propio inyectándole toques de pasodoble, rumba y dándole un aire cinematográfico gracias al cual es fácil encontrar en su música, en la que cada vez cobra más importancia la sección de viento con la participación de Yevhen Riechkalov, ecos del Spaguetti Western o el cine negro.
Aquí están de nuevo Los Coronas con un nuevo disco con el que pretenden crear la banda sonora de una película imaginaria. Una película en la que juegan con el flashback repasando sus sonidos iniciales, en la que nos muestran su actual madurez y en la que también presentan destellos de su futuro sonido. Una película en la que la música es capaz de crear imágenes llenas de ritmos frenéticos y de energía, o de trasmitir sensaciones de calma llenas de melancolía. Y lo consiguen jugando con lo que el r’n'r de espíritu más primitivo puede dar: inmediatez, ritmo y una aridez seca que les aleja de la playa y les acerca al desierto.
Son 12 canciones en las que hacen su particular homenaje al universo musical que durante décadas se ha reflejado en el cine y que de esta manera les ha influenciado consciente o inconscientemente.
Partiendo de un sonido que se alimenta directamente del primitivo r’n'r instrumental de las décadas de 1950 y 1960, Los Coronas hacen un repaso al espíritu de los Spaghetti westerns, las cabalgadas de Curro Jiménez o los documentales de surf de Don Brown. Así renuevan y a la vez revisan un género, el Surf instrumental, que conocen bien, con el que han crecido y que llevan reivindicando desde sus inicios en 1991. Pero una vez aprendida la lección han decidido aportar una visión propia y particular en la que su mayor influencia ha pasado a ser su propia experiencia personal.
Una visión en la que las arenas de las playas californianas se unen a las arenas del desierto, logrando así un sonido surf fronterizo, cargado de aires sureños y con ecos de trompeta llamando a Degüello en el asedio del Álamo. En una curiosa apropiación de la esencia musical de México o el Sur de los EEUU, los Coronas lo asimilan, reinterpretan y se lo apropian como suyo.
Los Coronas + The Hi-Risers actuarán este viernes, 23 de octubre en Madrid.
Sala Joy Eslava. C/ Arenal, 11, Madrid, Metro Sol.
Apertura de puertas: 20:00 h.
Entrada anticipada: 15 €. Entrada en taquilla: 18 €. Venta de entradas anticipada en www.ticktackticket.com
Un relato en dibujo narra la historia de Israel
El Departamento de Cultura del Gobierno vasco ha seleccionado
CAFÉ BUDAPEST, de Alfonso Zapico, autor asturiano editado por la editorial vasca Astiberri, como uno de los finalistas en la modalidad de ilustración de los Premios Euskadi de Literatura 2009.
CAFÉ BUDAPEST es una de esas narraciones que conmueven y provocan en el lector sensaciones contradictorias. En la portada, el protagonista: la fachada de un edificio, con la puerta abierta, consonantes hebreas en los cristales de las ventanas de la planta baja y un violinista en el balcón, nos da la bienvenida. Porque en la historia con visos de realidad que nos cuenta Alfonso Zapico todo gira alrededor de este café cercano a la ciudad vieja de Jerusalén, regentado por una familia judía oriunda de Hungría.
Yechezkel Damjanich es un joven violinista judío que vive con su madre en la desolada Budapest de 1947. Un día, recibe una carta desde Jerusalén enviada por su tío Yosef, del que no sabe nada desde hace 12 años, y al que su madre aborrece sin razón aparente. Huyendo de la miseria, ambos llegan a Palestina en un convulso momento político, justo antes de que los ingleses abandonen la región. El tío Yosef regenta el Café Budapest, un pintoresco local cercano a la ciudad vieja, donde coexisten judíos, árabes, occidentales… Un efímero oasis de armonía donde las notas del violín de Yechezkel no tardarán en dar paso al estruendo de los obuses Davidka, las bombas árabes, el odio y la destrucción. El Café Budapest se convierte en un pequeño escenario donde se reflejan el caos y la barbarie presentes en toda Palestina. No hay nada que el amor, la música, una partida de cartas, un café o una buena cerveza no puedan remediar, al menos en la ficción creada por Alfonso Zapico.
Alfonso Zapico (Asturias, 1981). Nacido en Blimea, un pueblo de los Valles Mineros asturianos, Alfonso Zapico es diplomado en Ilustración y Diseño por la Escuela de Arte de Oviedo. Como freelance realiza trabajos gráficos de carácter infantil/juvenil para editoriales nacionales y regionales (libros de texto, dibujos animados, páginas web, ilustraciones…), y ejerce de ilustrador en un proyecto de la Consejería de Educación del Principado de Asturias desde el 2005.
Es colaborador habitual de un periódico regional, La Nueva España, y ha publicado historietas y tiras cómicas en diversas revistas juveniles y digitales de Asturias. Su primer álbum de cómic, LA GUERRE DU PROFESSEUR BERTENEV, fue publicado en Francia por Editions Paquet, y recibió el Prix BD Romanesque en el FestiBD Ville de Moulins en el 2007. También ha colaborado en otro álbum colectivo, UN JOUR DE MAI, editado en la primavera del 2007 por Paquet con guión del francés Règis Hautiere.
CAFÉ BUDAPEST
Alfonso Zapico
Astiberri, 2008
www.astiberri.com
The Sound of Istanbul
Those who have heard the Turkish group BABA ZULA have instantly fallen in love with the unconventional and particularly impressive improvisations of the band! Their original style does not fit any of the genre specifications. Their compositions stir the imagination and open hard to reach areas before the fans.
A quirky name that fits their eccentric personas, BABA in Turkish refers to “father” or “big thing” and ZULA is similar to “secret”. BABA ZULA means “Father’s secret” or “Big thing secret”. However, they are no big secret anymore
The authentic sound of BABA ZULA has been cultivated from the music of the late 1960s and 70s. The band was set up in Istanbul in 1996 by Levent Akman, Murat Ertel and Emre Onel, who left in 2005 and was replaced by Cosar Kamçi. In 2004 the unique master of ‘live drawings” Ceren Oykut joined the group. Her presence on stage, and the creation of images with the swiftness and inspiration demonstrated by her are an important visual part of the entity that BABA ZULA represent.
BABA ZULA was supposed to be a short-lived side project, but since their debut, Baba Zula has released a number of albums and worked with a variety of international stars in the music industry. Among their works are: 3 Oyundan 17 Müzik (Three Plays from Seventeen Pieces) on Doublemoon Records, which included music created for Antoine de Saint-Exupéry’s classic, The Little Prince; Psychebelly Dance Music which was mixed and mastered by Mad Professor; Duble Oryantal, for which they worked again with Mad Professor, along with Einstürzende Neubauten’s Alexander Hacke, Sly Dunbar and Robbie Shakespeare. The band also appeared in the Golden Bear award winning director Fatih Akın’s film “Crossing the Bridge” that explores the sounds of Istanbul.
They have also worked with well-known composers and lyricists in the world of Turkish music, such as Neset Ertas and Pir Sultan Abdal. The analog techniques of Turkish producer Mehmet Ates are also very much in evidence in their recordings.
Their artistic improvisations are serious works with an original style, sound and character. They use the emblematic in Turkish music wooden spoons and saz (the only traditional Turkish instrument with an electric version) and rely on the centuries’ old cultural traditions of their country. The combination of Oriental instruments (such as darbuka, electric saz, spoons, “ney” from the Sufi tradition”, clarinet as detail of Turkish gypsy music) and the modern electronic sound creates the peculiar specific sound of BABA ZULA that they define as “Oriental Dub”.
Zaniye oyun havasi (Doble Oryantal)
Tilki Dansı (Psychebelly Dance Music)
Space Oddity a la Duncan Jones
La película Moon, ópera prima de Duncan Jones, hijo de David Bowie, ha salido a gran pantalla tras de haber sido la gran triunfadora del 42 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, con los galardones a mejor película, mejor guión, mejor actor (Sam Rockwell) y diseño de producción.
Duncan Jones says: “Siempre he sido un fan de las películas de ciencia-ficción. Para mí, la época dorada del cine de ciencia-ficción fueron los años 70 y principio de los años 80, cuando películas como Las naves misteriosas (Silent Running), Alien, el 8º pasajero (Alien), Blade Runner y Atmósfera cero (Outland) contaban historias humanas que transcurrían en ambientes del futuro. Siempre quise hacer una película que pudiera encajar en ese cánon.
Incuestionablemente, en estos días estas películas son cada vez menos frecuentes. No sé por qué, sin embargo, tengo una teoría: creo que en las dos últimas décadas los cineastas se han sentido algo avergonzados por el lado filosófico de la ciencia-ficción. Está bien eso de fascinarse frente a efectos increíbles y decir “ooooh” y “ahh” frente a paisajes extraordinarios, pero en ningún momento se supone que hay que tomárselo demasiado en serio. Nos hemos convencido de que la ciencia-ficción es frívola, para adolescentes. Nos han dicho que las viejas películas como Atmósfera cero (Outlands) y Las naves silenciosas (Silent Runnings), eran demasiado lastimeras, demasiado quejumbrosas.
Creo que eso es ridículo. Aquellos que aprecian la ciencia-ficción desean lo mejor para el mundo, pero entienden que tiene que existir una educación y que eso se logra investigando de entre los sucesos probables las peores hipótesis posibles. Es por eso que Blade Runner es tan brillante; utilizó el futuro para hacernos observar las cualidades humanas básicas desde una nueva perspectiva. Empatía. Humanidad. ¿Cómo se pueden definir esas cuestiones? Quería responder a esas preguntas.
Hace unos pocos años leí “Entering Space” escrita por el muy conocido ingeniero astronáutico, Robert Zubrin. Zubrin propone un caso científico y absolutamente atrapante de por qué y cómo la humanidad debería colonizar nuestro sistema solar. Era un acercamiento a la exploración espacial lleno de detalles prácticos y tomaba en cuenta el apetito fiscal que haría atractiva la colonización espacial a nuestro mundo capitalista. Uno de los primeros pasos recomendados era poner en marcha una mina de Helio-3 en la luna para extraer combustible para los generadores de energía de fusión.
El libro realmente me impactó. No pude evitar pensar que el primer paso necesario para la vida en el espacio, un paso que habría de hacerse meramente por interés económico en lugar de puramente científico, era un conflicto de intereses fascinante. Las empresas por su naturaleza buscarían, por todos los medios, extraer el máximo de material crudo con el mínimo coste posible. Eso es, sencillamente, un buen negocio. Pero sin habitantes locales, sin grupos de derechos humanos para supervisar y mantener un ojo avizor en esos asuntos, ¿qué trataría de obtener una empresa? ¿Hasta dónde podría llegar incluso la corporación más benigna y ecologista? ¿Qué serían capaces de hacerle a un operario que habitara una base al otro lado de la luna?
Estas son algunas de las ideas básicas que conforman la ciencia-ficción de MOON, pero no es el fondo de la película, lo importante es el elemento humano. MOON trata de la alienación; de cómo antropomorfizamos la tecnología; es acerca de cómo te asalta la paranoia cuando te encuentras en una prolongada relación a distancia; y de aprender a aceptarse a uno mismo. Muchas cosas para ser asumidas por una pequeña película independiente, pero tal vez este era el mejor lugar para intentarlo. Después de todo, solo se trata de ciencia-ficción.“
Trailer
The 11th International Istanbul Biennale is more political and radical than any other in the last 10 years. No more pointless hedonism is shown here rather than the approach to a a social change. Following Brechtian principles, ‘Denn wovon lebt der Mensch?’, translated into English as ‘What Keeps Mankind Alive?’, the Croatian curators of What, How & For Whom (WHW) is aiming to rethink our position again and again, to see the world as amateur actors, without dulling our critical faculties or our potential for intervention and change by learning the rules all too well.
In the work of Turkish artist Canan Şenol‘s occupies a feminist position, addressing the corrective and normalising role of social institutions and the different religious, political and patriarchal foundations that structure everyday life. The devastatingly beautiful daughter of a poor family in the southeastern part of Turkey is the main character in the animated video work Exemplary (2009). The storyline echoes ancient folk tales, and the narrative style is akin to One Thousand and One Nights, but addresses the contemporary context of women in Turkish society, imbued with tensions that oscillate between secular values and the emergent sensitivities of moral conservatives and institutionalised religion.
Antrepo No.3 (Karaköy)
The installation Qalandia 2087 (2009) is the third in a series of future projections of Qalandia military checkpoint and refugee camp created by Palastinian artist Wafa Hourani where there is no longer a checkpoint or the wall. With its minute details of daily life in the city that has in the meantime grown beyond the refugee camp, the work shows the ways in which the camp and the checkpoint become integrated into people’s perceptions as something to be loathed, but at the same time improved. Nevertheless, in projecting itself into the future without the occupation, it creates a new imaginary that goes beyond perpetuating the grim reality of today.
Antrepo No.3 (Karaköy)
The extraordinary work of Iranian artist Jinoos Taghizadeh travels through a variety of media including painting, collage, video and performance and deals with the problematic construction of collective identities in contemporary Iran. Her recent works look at the thirtieth anniversary of the Iranian revolution and its constant echoes in contemporary Iranian society. The video Good Night (2009) is an almost static shot of a room with the green, white and red colours of the Iranian flag. There is a crib, and beautiful singing rocks a baby to sleep. However, the lullabies are songs with a strong political content -revolutionary anthems from 1979. In the meantime, the songs’ call for social justice and equality as the fuel for revolution has become problematic for the ruling class, and many of them have since been forbidden.
Tobacco Warehouse (Tophane)
The 11th International Istanbul Biennale can still be seen until the 8th November 2009.
Los actores Adam Sandler y Leslie Mann y el director Judd Apatow hablan de Hazme Reír (Funny People).
Entrevista realizada en Madrid el 27 agosto 2009 por Maike Bosselmann (Way to Blue Spain)
Interview held in Madrid August 27, 2009 (V.O.subt.) by Maike Bosselmann (Way to Blue Spain)
Ein orientalisches Märchen
Beeindruckend und bedrückend zugleich ist “Das Märchen vom letzten Gedanken” von Edgar Hilsenrath, der vom Genozid der Armenier durch die Türken im Ersten Weltkrieg erzählt.
Der letzte Gedanke eines Menschen, so heißt es im Märchen, stehe außerhalb der Zeit. In Hilsenraths Epos über den ersten und bis heute wenig bekannten Völkermord des letzten Jahrhunderts an den Armeniern sitzt der letzte Gedanke des Thovma Khatisian auf dem Stadttor der anatolischen Stadt Bakir und durchlebt noch einmal den Leidensweg des armenischen Volkes, das jahrhundertelang im Kampf um sein geteiltes Land und seine Autonomie immer wieder unterlag.
Als letzter Sproß seiner Familie folgt der Gedanke Thovmas, geleitet von dem Märchenerzähler Meddah, den Lebensspuren des Vaters, die aus einem kleinen idyllischen Bergdorf in die Folterkammern der türkischen Machthaber führen, und wird Zeuge jenes großen Armenierpogroms 1915, mit dem die Regierung in Konstantinopel das armenische Volk endgültig auszulöschen versuchte. Mit den Mitteln eines orientalischen Märchens, aus Überlieferungen, Sagen und Legenden dieser gepeinigten Nation schöpfend, greift Hilsenrath weit zurück in die armenische Geschichte und stimmt eine berührende Totenklage um die Opfer aller Völkermorde an. Ein grausames Buch und dennoch ein Buch der Liebe, des Glaubens und der Wunder.
Mit dem »Märchen vom letzten Gedanken« ist Edgar Hilsenrath ein großer epischer Wurf gelungen. Wie ein orientalisches Märchen erzählt er die tragische Geschichte des armenischen Volkes und seiner Ausrottung durch die Türken im ersten Holocaust des letzten Jahrhunderts. In der Literatur wird der erste Genozid des 20. Jahrhunderts, nämlich jener an den Armeniern in der Türkei während des Ersten Weltkriegs, äußerst selten thematisiert.
Umso mehr erstaunt es auf den ersten Blick, wenn ein deutschsprachiger Jude, zumal ein Holocaust-Überlebender, den Massenmord an rund 1,5 Millionen Armeniern nach gründlicher Recherche zur Grundlage eines Romans macht. Auf den zweiten Blick erweist sich der Zusammenhang als logisch, denn Hilsenrath zeigt in seinem Roman mehr oder weniger direkt – und manchmal vielleicht etwas zu nachdrücklich für den Märchenkontext – auf, dass Hitler die versuchte Ausrottung der Armenier in vielen Details kopierte und es auch sonst viele Parallelen gab; selbst eine Art Wannsee-Konferenz mit Beschluss der “Endlösung” fand bezüglich der “armenischen Frage” statt. Die Leidenswege gleichen sich erschreckend.
Hilsenrath erzählt nicht seine Geschichte, die Geschichte eines Juden, der den Holocaust durchlebt hat, er erzählt ein orientalisches Märchen. Ein bedrückendes, dennoch so märchenhaft und tief ergreifend erzählt, das die Schwere des Themas leichter zu ertragen ist.
Das Märchen vom letzten Gedanken
Edgar Hilsenrath
dtv Verlag
640 Seiten
Con ocasión de la primera gira en España del rockero chino Cui Jian, organizada por Casa Asia (en Madrid el 19 de septiembre durante La Noche en Blanco y en Barcelona el 23 de septiembre durante el Festival Asia), se realiza un encuentro con este artista, un icono de la cultura china contemporánea e ídolo de la generación de los años 80. Cui Jian es guitarrista, trompetista, cantante, compositor y formaba parte de la Orquesta Filarmónica de Pekín antes de empezar su carrera en solitario. La experiencia de Cui Jian es símbolo de la valiente y rebelde historia del rock chino. Entre las numerosas actuaciones en China y en el extranjero, destaca la apertura de los conciertos de Deep Purple en Pekín en 2005 y de The Rolling Stones en Shanghai en 2006. Su canción más conocida es Yi Wu Suo You (Nothing to my name).
El 19 de septiembre llega la cuarta edición de La noche en blanco. De nuevo Madrid concentrará un conjunto ecléctico y contemporáneo de manifestaciones artísticas pensadas para cada uno de sus públicos y de sus escenarios. Asia estará presente con una serie de actuaciones musicales y artísticas en la ciudad.
Asia En La Noche En Blanco
Cui Jian + Grupo Uno
Sábado 19.09.09
Apertura de puertas: 20:00h.
Entrada libre hasta completar aforo (y solo +18 como en los demás conciertos)
Todos los apasionados del mundo de la publicidad y la creatividad estaréis de enhorabuena, hablo en futuro a la espera de conocer su lanzamiento en nuestro país si es que llega a salir, que como es previsible llegará con el habitual retraso o directamente en DVD sin pasar por las taquillas.
Art&Copy es un documental dirigido por Doug Pray, que nos muestra el mundo publicitario desde la visión de grandes creativos como Dan Wieden, David Kennedy (Wieden + Kennedy), Rich Silverstein, Jeff Goodby (Goodby, Silverstein & Partners) y Lee Clow. El documental recoge con detalle como la industria publicitaria ha dejado su ‘marca’ en casi todos los ámbitos de nuestra vida casi sin darnos cuenta, lemas como ‘Think different’ o ‘Just do it’ reconocidos internacionalmente son una gran muestra de ello.
Por el momento, sólo se puede ver el trailer del documental aunque promete bastante tras conocer los buenos resultados obtenidos en el festival de cine independiente de Sundance.
Si queréis hacer tiempo os recomiendo que veáis el documental ‘La corporación‘, otra gran obra sobre el mundo publicitario y además de descarga gratuita.
Autor: Javier Cerezo
Un homenaje al mito de Woodstock
¿Se acuerdan de Woodstock? En caso afirmativo, ya conocen el dicho: “Seguro que no estuvieron”.
Woodstock fue un acontecimiento extraordinario, pero no es fácil encasillarlo en una película, sobre todo porque ya se hizo con brillantez en el oscarizado documental Woodstock, de Michael Wadleigh, de tres horas de duración, estrenado en 1970. James Schamus, el productor de DESTINO: WOODSTOCK, que se encargó de adaptar el libro Taking Woodstock: A True Story of A Riot, A Concert, and A Life, escrito por Elliot Tiber con Tom Monte, explica: “Nos hemos limitado a contar una pequeña parte de lo que ocurrió. Desde un rinconcito lleno de alegría, surgió algo inesperado que hizo posible en parte que tuviera lugar este increíble acontecimiento”.
Basada en las memorias de Elliot Tiber, la comedia está protagonizada por DEMETRI MARTIN como Elliot, un joven que tuvo un importante papel involuntario para que el Festival de Música y Arte de Woodstock de 1969 fuera un acontecimiento histórico. Con un gran reparto coral y una banda sonora plagada de temas de iconos musicales de los sesenta como The Grateful Dead, The Doors, Jefferson Airplane y Country Joe and the Fish, y una nueva grabación de “Freedom”, de Richie Havens, DESTINO: WOODSTOCK es un alegre viaje a una época en la que todo parecía posible.
Elliot trabaja como decorador en Greenwich Village, Nueva York, bastión de los primeros activistas del movimiento gay, pero no ha conseguido cortar las ataduras con el negocio familiar, “El Monaco”, un motel cutre situado en los montes Catskills que sus autoritarios padres, Jake y Sonia Teichberg (HENRY GOODMAN e IMELDA STAUNTON), están consiguiendo hundir. En el verano de 1969, Elliot no tiene más remedio que dejar Nueva York y volver al pueblo para intentar salvar el motel, que está a punto de ser embargado por un banco.
Se entera de que el Ayuntamiento del cercano pueblo de Wallkill ha retirado el permiso para un festival de música, y llama al productor Michael Lang (JONATHAN GROFF), de Woodstock Ventures, para convencer a los promotores de que pueden quedarse en el motel familiar. De paso, Elliot presenta a Lang a su vecino Max Yasgur (EUGENE LEVY), el propietario de una granja lechera de 240 hectáreas de terreno. Los organizadores de Woodstock no tardan en invadir El Monaco para organizar la llegada del medio millón de personas que acudiría a las tierras de Yasgur para participar en “los tres días de paz y música en White Lake”.
Con un poco de ayuda de sus amigos, entre los que está Devon (DAN FOGLER), que encabeza una compañía de teatro; Billy (EMILE HIRSCH), un veterano recién regresado de Vietnam, y Vilma (LIEV SCHREIBER), un ex marine travestido, y con cierta oposición por parte de los habitantes del pueblo, entre los que se encuentra el hermano de Billy, Dan (JEFFREY DEAN MORGAN), Elliot participará de todo corazón en una experiencia que cambió su vida, definió a toda una generación. Desde entonces la cultura popular nunca volvió a ser la misma.
Focus Features presenta una película de Ang Lee, DESTINO: WOODSTOCK (Orig. TAKING WOODSTOCK), protagonizada por Demetri Martin, Dan Fogler, Henry Goodman, Jonathan Groff, Eugene Levy, Jeffrey Dean Morgan, Imelda Staunton, con Emile Hirsch y Liev Schreiber. Basada en el libro de Elliot Tiber con Tom Monte. Productor ejecutivo, Michael Hausman. Producida por James Schamus, Ang Lee, Celia Costas. Guión, James Schamus. Director, Ang Lee.
En España se estrena el 2 de Octubre 2009.
oder Wie ich versuchte in Asien meine Unschuld zu verlieren
Moomlatz ist hebräisch und steht für ‘empfohlen, empfehlenswert’. Mit der Bezeichnung moomlatz ausgewiesene Hotels, Restaurants und Geschäfte sind bei israelischen Touristen besonders beliebt. Warum man diesen Titel aber für die deutsche Übersetzung von Iris Bahrs Dork Whore: My Travels Though Asia as a Twenty-Year-Old Pseudo-Virgin gewählt hat, bleibt etwas schleierhaft. Scheinbar muss das Buch mit einem Qualitäts-Gütesiegel versehen, damit es sich verkaufen lässt.
Iris Bahr, in der New Yorker Bronx aufgewachsen, zog mit 12 Jahren nach Israel, wo sie bis zum Ende ihres Militärdienstes lebte. Wie die meisten Israelis, begab sie sich nach der Entlassung aus dem Tzahal auf eine Reise durch Asien, die zur Grundlage dieses Reiseromans wurde.
Frisch aus der Armee entlassen, beschließt Iris Bahr, nicht mehr Offizieren, sondern allein ihrer Libido zu gehorchen. Denn eines ist klar: Sie hat Nachholbedarf. Fern der Heimat, in Asien, will sie ihre Unschuld verlieren, und was bietet sich da besser an als die Leichtigkeit des Lonely Planet-Universums? Iris packt ihren Rucksack und wirft sich ins Getümmel – der Beginn eines turbulenten Unternehmens, an dessen Ende sie erkennt, dass es um weit mehr geht als um ihre Entjungferung.
Und schon in der Einleitung diese Reisememoires wird klar, mit Iris Bahr ist (nicht) zu spaßen: »Die folgenden Aufzeichnungen schildern meine Suche nach Sex in Asien«. Quer durch Thailand, Vietnam, Nepal und Indien zieht Iris Bahr auf der Suche nach einem Freier, kämpft gegen Darminfektionen, strandet (fast) in einer opiumverrauchten Waldhütte, überwindet post-pubertäre Naivität, – alles im Namen der Unschuld. Dabei unterscheidet sich Moomlatz von anderen Reisebeschreibungen nicht nur durch die ungewöhnliche Mission. Hier wird über Israelis, Deutsche, Amerikaner, Thais, Inder, Engländer und vor allem Backpacker hergezogen, Klischees auf den Kopf gestellt und in keinem Fall ein Blatt vor dem Mund genommen. Der Roman besticht vor allem durch seine Selbstironie.
Der Roman ist unterhaltsam und erfrischend ehrlich, nur als Reisebeschreibung oder gar Reiseanleitung ist es nicht empfohlen. Als Reiselektüre fürs Handgepäck oder für jeden Rucksacktouristen ist es jedoch moomlatz.
Iris Bahr, Moomlatz oder Wie ich versuchte in Asien meine Unschuld zu verlieren, Frederking & Thaler Verlag, 2007
Völker, Strand und Sport am Oststrand. Globalisierung, die Spaß macht. /
7. Dodgeball World Championship
Völkerball mit 15 echten Völkern, die sich am Strand auf Weltklasse-Niveau messen und ihre sportlichen Finessen und Strategien sowie kulinarische und musikalische Genüsse präsentieren.
Blonde Schwedinnen spielen gegen zuckerbehütete Brasilianer, Preußinnen mit grauen Schnurrbärten geben eine Runde Schnaps aus und treten gegen die kriegsbemalten Apachen an. Hessen, von Handkäse gedopt kämpfen engagiert gegen die Sumo-Tanga tragenden, zweifachen Weltmeister aus Japan an und die steakgestärkten Argentinier.
Die 7. StrandVÖLKERball WM findet vom 23. bis 26. Juli 2009 ab 19 Uhr statt, der Eintritt ist frei.
Oststrand
Mühlenstraße 22
10243 Berlin
Weitere Informationen unter: www.strandvoelkerball.de
A very hot summer with Richie Hawtin & Co.
Electrosonic Burgos 2016 prepares several Showcase, areas on the same stage in the parade several members of the same stamp. This allows us to enjoy more than any time in a few hours of that music sounds familiar anger chaining including interlocking and coordinated, but with an entirely personal style that makes his music dj. Among them, our heads the cartel Showcase Minus the label headed by Richie Hawtin.
Maurizio Fabrizi will delight us with a mixture of high quality, coupled with a deep bass line is constantly shifting in tone and texture.
To close the section of the sessions, ambivalent, awaited by fans minimalista characterized by an exquisite selection of topics, ranging from sessions melodies and psychedelia to the Neapolitan techno, through tech-house dance. As for the Live!, in the presence of Canadian Marc Houle, whose September Live minimal tech production and retail careful you should not miss.
Electrosonic Burgos 2016, Burgos, Spain
21 and 22 August 2009
More info: www.electrosonicfestival.com
Hommage to the King of Pop
Is this the end of Pop?
Los actores Tyrese Gibson, Josh Duhamel y Ramón Rodríguez hablan de la secuela Transformers: La venganza de los caídos. (Orig. Transformers: Revenge of the Fallen). El productor Lorenzo di Bonaventura habla no sólo de Transformers sino también de G.I. Joe.
Lorenzo di Bonaventura (producer)
Ramón Rodríguez (alias Leo)
Josh Duhamel (alias Captain Lennox)
Tyrese Gibson (alias USAF Tech Sergeant Epps)
Entrevista realizada en Madrid el 12 de junio 2009 por Maike Bosselmann (Way to Blue Spain)
Interview held in Madrid June 12, 2009 (V.O.subt.) by Maike Bosselmann (Way to Blue Spain)
A nostalgia trip with PHotoEspaña
Tired of the crisis? There isn’t anything more relaxing than reflecting the everyday life of the 70s, where sex, love and peace were the main topics. This is what is at least offering the collective exhibition of PHotoEspaña09, The 70s. Photography and Everyday Life co-produced by Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Museo D’Arte Provincia di Nuoro and La Fábrica/PHotoEspaña in collaboration with Fundación Banco Santander, which seeks to provide a retrospective look at a group of works and artists that contributed to making the 1970s one of the most important and fruitful periods in the recent history of photography. This group show, which includes over 200 photographs, covers some twenty outstanding figures in the visual arts field of that time, and offers a wide, diverse range of images that exemplify the period as well as a selection of its conceptual and aesthetic attitudes.
Participating artists are David Goldblatt, Christian Boltanski, Anders Petersen, Cindy Sherman, Viktor Kolár, Malick Sidibé, Laurie Andersen and Ed van der Elsken among others.
The 1970s witnessed a definitive change in the relationship between art and photography, and comprise a period that is essential for understanding the contemporary art of the last 35 years. The aesthetic approaches of avant-gardes concerned with purely formal questions gave way to a more open, less dogmatic artistic attitude in which some attention had to be paid to life experience and social issues. The decade produced a greater interrelationship between art and life that led to an interest in defending the everyday, the poetics of the personal and the landscape of the intimate in addition to unconventional documentary approaches. Art ceased to be considered something external to the artist and began to be part of the creator’s attitude toward life. Photography was seen as an ideal tool for this artistic and historical context, and the photographic medium was reformulated.
Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte, Plaza de Colón 4, Madrid
Años 70. Fotografía y vida cotidiana. Exposición colectiva.
Dates: 2 June – 27 July
More information: PHotoEspaña
Un viaje culinario anti-crisis
Una de las mejores maneras de conocer el mundo es a través de su comida. Y ese es el propósito que anima este libro: emprender juntos un viaje gastronómico a través de los 5 continentes y acercarnos a la riqueza que se encuentra detrás de los sabores de diferentes culturas.
África, América, Asia, Europa y Oceanía comparten este recetario para que su mesa se convierta en un delicioso viaje alrededor del mundo. Entre ellos se encuentran recetas del plato cubano Ropa Vieja, el Ceviche peruano, el Babaganush del Líbano o la natilla de plátano de Sudáfrica.
Con pestos platos rebosantes de sabor, fáciles de preparar y adaptados a todos los bolsillos, tu mesa se converterá en un delicioso viaje alrededor del mundo.
Erica Massini y Antoine Berger son cocineros de formación y compaginan la crítica gastronómica con cursos de cocina en varias escuelas hosteleras de Nueva York. Además son grandes viajeros que recorren el mundo en busca de la riqueza culinaria de cada país.
El dibujo de la portada es del conocido ilustrador madrileño Iván Solbes. El libro pertenece a una serie de “libros anti-crisis” con un coste de 3€, editado por la editorial esEdiciones.
es guay!
A metaphor of happiness and a joyful life.
From 3 June to 26 July, Madrid’s art galleries take part in the PHotoEspaña 2009 agenda with photography and videoart programmes. 42 exhibition complete the 12th program of the Festival. One extraordinary exhibition of West-African artist Malick Sidibé can be seen at the Off Festival section at the Oliva Arauna Gallery.
Malick Sidibé , born in Mali in 1936, started to work at the studio of Gérard Guillat-Guignard in Bamako in 1955, known in the city as “Gégé, la pellicule” and opened his own studio, Studio Malick, in 1958. Like Seydou Keïta before him, Malick Sidibé started with studio portraits. But unlike his prodecessor, he soon became a street photographer and the only young reporter in Bamako at that time. His Bamako night captures marked him.
His images document popular culture in his city with a pure gaze, and the large number of photos obtained during the 1970s led to a vast catalogue of urban typologies due to sincere documentary work free from superiority complexes that has produced a photographic oeuvre without the prejudices found in a Western view of other cultures.
“During the Seventies, the Europeans believed that we were living naked in the trees. However, on the hand, we were as trendy as them”. Malick Sidibé is talking with irony about his portraits. The series of photographs exhibited at Oliva Arauna have never been shown in Spain before and many of them are unknown. They were taken at the beginning of the 60s and 70s, reflecting life in Mali full of hope and happiness right after the independence of France. Thousands of negatives have been kept in old Kodak boxes in his studio until they became recreated in 1994.
Malick Sidibé’s photos show boys with sunglasses and Bell-bottoms and girls dressed in colourful traditional and cocktail dresses, handbags and even short skirts. Sidibé went to parties to find a record player where the young people danced to James Brown songs. Malick Sidibé portrays a country, trying to become modern without forgetting its own tradition. Sidibé’s portraits transmit energy and enjoyment, his characters are almost always smiling. His photos are a metaphor of happiness and a joyful life.
Oliva Arauna Gallery, Calle Barquillo 29, Madrid
Malick Sidibé
Dates: 29 May – 18 July
Some other original photos can be seen at
Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte, Plaza de Colón 4, Madrid
Años 70. Fotografía y vida cotidiana. Exposición colectiva.
Dates: 2 June – 27 July
More information: PHotoEspaña
El nuevo largometraje de Hannes Stöhr en el 11° Festival de Cine Alemán de Madrid
Entre el 2 y el 6 de junio tiene lugar el 11 Festival de cine alemán de Madrid. El festival se suma este año a los actos conmemorativos con el miniciclo Veinte años sin muro. Una de las películas más interesantes es el nuevo largometraje de Hannes Stöhr, Berlin Calling, una tragicomedia ambientada en el Berlín actual.
Se trata de una análisis del mundo de la noche, de la música tecno y de las drogas, las mujeres que rodean a los protagonistas son los motores de la historia, haciéndoles reaccionar y cambiando su percepción del mundo que les rodea. DJ Paul Kalkbrenner no es sólo intérprete de la película sino también el composidor de la banda sonora.
Martin (Paul Kalbrenner), DJ y compositor de techno underground (conocido como DJ Ickarus), realiza junto con su novia y manager, Mathilde (Rita Lengyel), una gira que les lleva de club en club alrededor del mundo. Mientras tanto preparan el lanzamiento de su álbum más ambicioso hasta el momento. Sin embargo, todos sus grandes planes previstos se ven truncados cuando Ickarus es ingresado en una clínica psiquiátrica bajo los efectos de las drogas tras una de sus actuaciones.
Hannes Stöhr nació en Stuttgart en 1970. Entre 1995 y 1999, estudió en la Academia de Cine alemana (dffb), en los departamentos de dirección y guión. Su primer largometraje fue Berlin is in Germany (2001) con el que obtuvo el premio de la sección Panorama en el Festival de Berlín y una mención especial en Cinema Jove de Valencia. En 2005 dirigió One Day in Europe (Galatasaray-Depor) en España y con ella compitió en la sección oficial de Berlín. Berlin Calling (2008) es su última película como director.
Estreno de Berlin Calling, Cine Palafox, c/Luchana, 15, Madrid
4 de junio, 22h00′
5 de junio, 19h30′
Ciclo Jonas Mekas en La Casa Encendida
Simplemente el título ya me pone la piel de gallina. La Casa Encendida muestra esta semana un ciclo dedicado a Jonas Mekas, director de la vanguardia de cine experimental y estrena una de mis películas favoritas del cine experimental: As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses Of Beauty (que significa: mientras avanzaba, ocasionalmente ví pequeños estellos de belleza)
He visto este documental de 288 minutos en 2001 en el Festival Internacional de Cine de Berlín en la sección Foro Internacional del Cine Joven. Fue un maratón de estreno pero me quedé impresionada por la belleza del filme. Es un montaje a partir de imágenes de distintas grabaciones acumuladas a lo largo de 50 años de su vida en 16mm.
Se ve al director con su familia, sus amigos, viajes, cenas, cumpleaños… A veces sobre esas imágenes, mudas en general, aparece la voz en off de Mekas que comenta algunas cosas, reflexiona sobre los recuerdos. La película avanza y al principio uno se aburre un poco porque no pasa gran cosa, al rato te relajás y cuando llegás a la cuarta hora no podés creer lo que estás viviendo. Los hijos del director crecen, se van de casa, él y su mujer envejecen, las reuniones con amigos, los paisajes y los viajes siguen como siempre… Pero empezás a notar que hay algo más, que tras su apariencia de documental: sólo hay momentos felices.
Jonas Mekas nació en Semeniskiai, Lituania, en 1922.
Con su hermano emigró a los Nueva York en 1949 y estudiaron con Hans Richter antes de abrir la revista Film Culture en 1955. Jonas Mekas ha continuado escribiendo críticas cinematográficas para Village Voice desde 1958. Fundó la cooperativa The Film Makers (1962) y los archivos Anthology Film Archives (1970). Durante esa época estuvo estrechamente relacionado con la escena del cine experimental y el pop-art, entrando en contacto con artistas como Andy Warhol, Nico, Allen Ginsberg, Yoko Ono, John Lennon o Salvador Dalí. Jonas Mekas es principalmente conocido por sus películas-diario, como Walden (1969), Lost, Lost, Lost (1975), Reminiscences of a Journey to Lithuania (1972), y Zefiro Torna (1992)
Aquí una pequeña introducción:
Estrenos en La Casa Encendida de Madrid:
Walden, 27 de mayo 2009, 16h30′
A visit to Hans Richter, 28 de mayo 2009, 16h30′
As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses Of Beauty, 29 de mayo, 16h30′
Más información:
9° Festival de Creación Audiovisual de Majadahonda
El 5° Festival Internacional de las Artes de Castilla y León se adapta a la crisis
Sobreviven los que luchan y este año hay que luchar en el mundo de arte. Entre el 29 de mayo y el 13 de junio tendra lugar en Salamanca el 5° Festival Internacional de las Artes de Castilla y Leon.
Con un presupuesto de 1,5 millones de euros, la mitad del presupesto de la edición anterior, sorprende la alta participación con 170 compañias de 20 paises que realizaran 300 representaciones. Una propuesta de «calidad, donde ha primado lo mejor del momento», según la consejera de Cultura y Turismo de la Junta, María José Salgueiro. Bien dicho en tiempos de la crisis, teniendo en cuenta que muchos festivales no se realizan este año bajo la crisis. Por eso se agradece un festival que no tema en dar un paso adelante, ofreciendo la posibilidad de participación a los artistas menos conocidos en España en vez de proyectos con nombres prestigiosos y más costosos.
Habrá actuaciones de teatro, performance, conciertos, exposiciones, poesía, teatro y diversas iniciativas artisticas que revolucionaran durante los 16 días del festival la vida salmantina.
Entre las novedades que presenta la 5ª edición del Festival de las Artes destaca la presencia de un artista invitado, que en esta ocasión será el dramaturgo Calixto Bieito. El director teatral, que también asistió al acto de presentación, destacó que hará un ensayo abierto, “algo que jamás he hecho en mi vida”. El 19 de junio, Bieito estrenará en Alemania la obra ‘Don Carlos‘, por lo que su presencia en el Festival permitirá al público ver “las entrañas” del trabajo teatral. “Mostraré cómo se trabaja un texto y cómo me comunico con los actores; me mostraré lo más desnudo posible y espero sorprender”. Bieito explicó que su ‘Don Carlos’ aúna “el idealismo alemán con la leyenda española”.
6 de junio, 20h00’, Teatro Liceo
“El Festival en la Cueva”
La nueva sección del Festival en la Cueva ofrece en un lugar emblemático de la ciudad, la Cueva de Salamanca, cargado de esoterismo donde según la leyenda Satanás, bajo aparariemncia de sacristán, impartía doctrinas de ciencias ocultas.
La banda madrileña Dead Capo rendirá su particular homenaje a John Zorn. Con temas de su proyecto Masadas se mezclarán con versiones de grandes de jazz y se completarán con algunos clásicos del cine y con música surf.
30 de mayo, 23h00’, Café El Corrillo (con otro programa en la Red Café Música)
31 de mayo, 22h30’, La Cueva de Salamanca
Image by Esther Schelander
Relacionando la leyenda de la Cueva de Salamanca con la novela “Fight Club”,
posttheater (new york/berlin/tokyo) ha creado un espectáculo multi media para personas que quieren más que lo que les ofrece la vida cotidiana. En la cueva los estudiantes buscan el lado oscuro del conocimiento, en “Express Fight Club” los empleados buscan experiencias satisfactorias más allá del trabajo abburido de oficina.
6 de junio, 22h30’, “Express Fight Club”, 4 pases de 25’, La Cueva de Salamanca
13 de junio, 20h00’, “Super Gravity-Zero Gravity”, otro performance de posttheater en colaboración con Alicia Soto-Hojarasca, Teatro Liceo (Espectáculo de Sala).
“Conchas silenciosas”
Una novedad de esta edición, es la por desgracia desaparición de las “conchas electrónicas”, debido a la presión ejercida por los vecinos, cita en la que en anteriores ediciones se daban cita los mejores Djs internacionales, para llenar de música este peculiar edificio. El director del Festival, Guy Martini, ha desvelado que en el permanente diálogo del Festival con la ciudad, el certamen recoge las peticiones de ciudadanos que se quejaron por el ruido de la música, que se traslada este año a un recinto cerrado, pero para no perder La Casa de las Conchas como escenario se ha creado el programa ‘Conchas Silenciosas’ en el que la poesía, el teatro y la música contemporánea serán los principales ingredientes.
“Encuentros en la noche”
Otra de las propuestas de esta edición gira entorno a la noche. Todos los días durante el desarrollo del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León, la Plaza Mayor, el río Tormes y la Rúa Mayor, albergarán cuatro espectáculos en colaboración con diversos colectivos salmantinos.
«La noche del Chess Boxing», por ejemplo convertirá a la Plaza Mayor en el campo de juego de una disciplina deportiva peculiar que auna fuerza e intelectualidad. El concepto del Chess Boxing, imaginado en 1992 por el dibujante Enki Bilal y llevado a la práctica por vez primera en 2003 de manos del holandés Iepe B.T. Rubingh, escenifica el enfrentamiento entre dos personas “aunando dos de los deportes que se consideran más combativos, intelectual y físicamente, el ajedrez y el boxeo”. La Plaza Mayor acogerá una “especial” partida de ajedrez en la que centenares de tableros invitarán al público de la ciudad a participar en un juego “real”.
11 de junio, a partir de 20h00’ ajedrez, 22h30’ Chess Boxing, Plaza Mayor
Como ya dicho, este año hay que luchar en el mundo de arte.
Más información en la website del festival.
¿Conocemos realmente el mundo donde vivimos? ¿Somos la especie elegida para dominar el mundo?
Probablemente muchos pensarán que no serán capaces de leer un libro de 969 páginas. Es cierto que es difícil mantener el interés durante una obra tan extensa, pero estoy seguro de que El Quinto Día, de Frank Schätzing, no os decepcionará. Con un ritmo impresionante, casi desde la primera página y hasta la última, moviéndose entre la ciencia ficción y la divulgación científica, este autor alemán os mantendrá enganchados y os sorprenderá con originalidad y magistralmente llevada. Es posible que os haga incluso reflexionar…
¿De qué va? Un pescador desaparece en Perú, sin dejar rastro. Los expertos noruegos de una empresa petrolífera se encuentran con extraños organismos que ocupan cientos de kilómetros cuadrados del fondo marino. Entretanto, en las costas de la Columbia Británica comienza a observarse un inquietante cambio en el comportamiento de las ballenas. Nada de todo esto parece tener una causa común. Pero Sigur Johanson, biólogo y sibarita, no cree en las casualidades. También el investigador de ballenas indio Leon Anawak llega a una preocupante conclusión: una catástrofe está a punto de suceder. La búsqueda de la causa le enfrentará a sus peores pesadillas.
Pues esta novela es un estupendo ejemplo de como una historia de ciencia ficción que se nutre de ciencia (más real que nunca y con científicos como protagonistas), puede ser un excelente medio para la divulgación científica de los océanos.
No extraña que ya existe una adaptación para una película, escrita por Ted Tally (El silencio de los corderos). Los derechos en el guión ya se han reservados Uma Thurman (Kill Bill) y el matrimonio alemán Ica y Michael Souvignier. Aún no hay nada concreto del proyecto, se rumorea que Schätzing está soñando con George Clooney y Lucy Liu en el reparto.
De momento os simplemente recomiendo el libro ya que he aprendido bastante acerca de la naturaleza de los mares como tipos de ballenas, medusas, corrientes oceánicas, etc…, además de tener una trama e intriga muy interesantes.
Título original: Der Schwarm (2004)
Autor: Frank Schätzing
Editorial Colección: Planeta Internacional
Editorial Bolsillo: BOOKET
1024 páginas
Por los que saben alemán, recomiendo esta entrevista.
A grieving couple retreat to ’Eden’, their isolated cabin in the woods, where they hope to repair their broken hearts and troubled marriage. But nature takes its course and things go from bad to worse…
“Two years ago, I suffered from depression. It was a new experience for me. Everything, no matter what, seemed unimportant, trivial. I couldn’t work. Six months later, just as an exercise, I wrote a script. It was a kind of therapy, but also a search, a test to see if I would ever make another film. The script was finished and filmed without much enthusiasm, made as it was using about half of my physical and intellectual capacity. The work on the script did not follow my usual modus operandi. Scenes were added for no reason. Images were composed free of logic or dramatic thinking. They often came from dreams I was having at the time, or dreams I’d had earlier in my life. Once again, the subject was ”Nature,” but in a different and more direct way than before. In a more personal way. The film does not contain any specific moral code and only has what some might call ‘the bare necessities’ in the way of a plot. I read Strindberg when I was young. I read with enthusiasm the things he wrote before he went to Paris to become an alchemist and during his stay there … the period later called his “inferno crisis” – was “Antichrist” my Inferno Crisis? My affinity with Strindberg? In any case, I can offer no excuse for ”Antichrist”. Other than my absolute belief in the film – the most important film of my entire career!”
Lars von Trier, Copenhagen, 25/03/09
Trailer
“If you ever have the chance to have a cup of tea with the pope tell him that a transgender witch told you that Jesus will be born again as a girl in Afghanistan.”
Antony
No recuerdo cuando fue la última vez que lloraba en un concierto pero anoche no paraba llena de emociones de amor, odio, paz, miedo y agobio. Ha sido mi primer encuentro con Antony and The Johnsons en directo y ya sé que nunca volveré a escuchar a su música como antes. En una actuación de 2 horas en el Palacio de Congreso de Madrid, presentaban Antony and The Johnsons su último disco The Crying Light entre muchas canciones conocidas como Twilight, Today I am not a boy, Cripple and Starfish, Fistful of Love, If it be your will, You are my sister etc. El público se quedó en un silencio absoluto, impactado por la impresionante voz de Antony. Gracias a The Johnsons, especialmente Doug Wieselman, quién cuenta con una larga trayectoria en el mundo del Jazz, tocabe la guitara eléctrica, saxófono y clarineta como un genio.
Antony no se cansó en ningún momento y presentaba también un tema todavía desconocido, reflectando su progreso personal como “transgender witch” y tratando su descubrimiento que Jesús vuelve a nacer – como una niña y en Afghanistán.
Antony obviamente disfrutaba de su público y el público de él. Una fusión perfecta!
Gracias, Antony, vuelve pronto!
(Des)Kalz(ado)
Richie Hawtin announced his date with Sónar with new DJ technology in the backpack
Richie Hawtin aka Plastikman announces his date with Sónar on Friday 19th June 2009.
Richie Hawtin’s traditional appointment at Sónar will take place on Friday night on the main stage, Sonarclub. Hawtin arrives at Sónar 2009 at an artistic zenith, fully consolidated as an international dance music benchmark.
The session by the acclaimed Canadian dj and producer, an eagerly-awaited highlight every year by the Sónar audience, joins the list of artists focusing their work on the dancefloor, which also includes the British producer Rustie (one of the key figures in the new wave of the wonky genre in the urban rhythms area) and Spain’s Angel Molina, HD Substance (who will also be at SonarKids), Nacho Marco and Henry Saiz, who are all a guarantee of quality and precision on the decks.
Richie Hawtin is best known for his abstract, minimal works under the alias Plastikman, a moniker he continued to use into the mid 2000s. Hawtin is known for DJing minimal techno sets making use of laptop computers and digital mixing equipment. He is expected to be testing the beta version of the software Twitter DJ on this event.
Twitter DJ is the latest brainwave from Richie Hawtin, who’s already spent much of his career pioneering new technologies as a DJ, producer and label owner, from the development of Midi enabled DJ mixers such as Allen & Heath’s Xone92 & 3D mixers, to Final Scratch DJ technology. At this year’s Time Warp event Richie built on ideas first explored during 2008’s Contakt tour, testing Traktor Pro with a new background application that allows for real time broadcasting of all tracks played during a DJ set. The new application, developed in-house by Bryan McDade at Hawtin’s M-nus label, works as a conduit between Traktor and the online messaging utility Twitter. M-nus and Native Instruments worked closely together to optimize the Traktor software for this special use
The Twitter DJ application utilizes feeds from an updated version of Traktor’s standard broadcasting technology to send 30 second updates during Hawtin’s set of what’s currently playing to a designated Twitter account, allowing anyone following the Twitter group to obtain a unique insight into how a DJ builds the atmosphere and dynamics of a set, track by track, and in real time. The track information is freely accessible from any Twitter configured personal mobile devices (even from the dance floor) and archived online on the Twitter page. This concept is also a significant step towards helping smaller independent record companies and artists to gain further recognition and free promotion when their releases are played as digital files.
To see it in operation, contact rhawtin on Twitter (www.twitter.com/rhawtin)
More about Richie Hawtin demonstrating his Traktor Scratch four-deck performance setup can be seen in a series of three videos.
Part 1:
Hawtin explains his setup based on Traktor Scratch and his Allen & Heath Xone 92 mixer and 1D controllers, and shows how he uses the syncing and Beatmashing features in Traktor.
Part 2:
Hawtin explains his approach to four-deck mixing, and how he syncs his Traktor setup with his label mates during live performances.
Part 3:
Hawtin explains how he uses the looping features of Traktor to build his set, and how “double macros” allow him realize intense buildups and other advanced performance tricks
El maestro del cine de Hongkong vuelve a Cannes
El maestro Johnnie To con su largísima trayectoria en el cine de acción (The Mission (1999), Fulltime Killer (2001), Breaking News (2004), The Sparrow (2008)) presentará su nueva obra Vengeance (La venganza) el 20 de mayo en la próxima edición del Festival de Cannes, a celebrarse del 13 al 24 de mayo.
La película describe el viaje de un padre a Hong Kong para vengar a su hija, cuya familia ha sido asesinada. Él es un antaño asesino reconvertido a chef francés. El papel principal recae en el cantante y actor francés Johnny Hallyday junto con los habituales actores fetiche de To como Simon Yam, Lam Ka-Tung, Michelle Ye, Suet Lam y Anthony Wong.
Images by raigraphics
El virus musical gira en Madrid y Barcelona
Ya había rumores pero ahora está confirmado. Después de la gripe porcina, llega ahora Dengue Fever a España para presentar su nuevo disco “Sleepwalking through the Mekong“. Se trata de la banda sonora de un documental de rock`n roll sobre Dengue Fever.
Dengue Fever es una banda de seis miembros de Los Ángeles que combina la música pop camboyana con el rock psicodélico en estilo de los años 60 y 70. La banda se formó en 2001 por Ethan Holtzman y su hermano Zac Holtzman a partir de un inspirador viaje de Ethan a Camboya. A la cantante solista Chhom Nimol la descubrieron en un club nocturno en Little Phnom Penh de Long Beach cuando Ethan y Zac estaban buscando un vocalista que cantara en Khmer. La formación del grupo se completa con el bajista Senon Williams, el bateria Paul Smith y el saxofonista David Ralicke.
Dengue Fever es más que buena música, es un encuentro intercultural, un proyecto social y un viaje a un país con una cultura riquísima que casi desaparició con el régimen de Pol Pot.
Esto es el trailer del documental “Sleepwalking through the Mekong” sobre la banda.
Sólo tendrán dos actuaciones en España:
30 de junio – La(2), Barcelona
1 de julio – El Sol, Madrid
El dúo vanguardista presenta su espectáculo “The Yellow Pony and other Songs and Stories”
El matrimonio, la artista multidisciplinar Laurie Anderson y el músico Lou Reed, una de las parejas más emblemáticas de la vanguardia musical y dos de los rebeldes más creativos del Nueva York mítico de los setenta, han decidido unirse como pareja artística para girar con un nuevo proyecto conjunto, “The Yellow Pony and other songs and stories”.
Los neoyorquinos, en ‘The Yellow Pony’, harán un repaso a su amplio y variado repertorio, abarcando temas clásicos del rock de Lou Reed, piezas instrumentales con dosis de improvisación, obras de ’spoken word’ de sus trabajos para teatro y duetos sobre el amor y sus diferentes variantes
La gira sólo constará de seis fechas, tres de las cuales tendrán lugar en España.
10 de julio, Espai Esport – Portaferrada
12 de julio, Plaza del Obradoiro – Santiago de Compostela
14 de julio, Veranos de la Villa – Madrid
Are animals people?
This exhibition by Peter Fischli (Zurich, 1952) and David Weiss (Zurich, 1946) organized by the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, brings together a selection of pieces made by the artists themselves and centers around the protagonists in their first works, Rat and Bear. Present at different moments throughout Fischli and Weiss’ career, these characters have enabled them to question art as an alternative system of knowledge by positioning themselves with distanced irony on a thin line between fiction and reality. The artists work with a wide range of techniques to construct banality, common objects and places, as well as perceptions of time. They draw from humor, absurdity, distance and ingenuity as tools to achieve this. Building on estrangement allows them to reflect in greater depth on trivial matters without apparent meaning while they approach more sublime subject matters with a sense of humor. The work speaks to transforming common places, revising everyday reality and banality. Toward this end, the artists have relied on investigating and observing their own surroundings, providing an inversion of values and hierarchies vis-à-vis reality. Even if the works do not have an explicit moral, they display and produce different situations, sometimes with the use of many stimuli and other times, with suggestive puns that encourage reflection from their viewers.
Peter Fischli and David Weiss have been working together since 1979. Their earliest collaboration, executed immediately prior to the first film featuring Bear and Rat, consisted of a series of photos, their Wurstserie (Sausage series), portraying everyday scenes made from sausages and other ordinary objects. Using everyday materials to counter the solemnity and weight of traditional art genres it proposed an “amateurish” aesthetic closer to children’s handcrafts, and so brought into play many different aspects that would prove central to their later work.
In their sculptures, installations, photographs and films, Fischli/Weiss couple an exploration of their immediate surrounding environment with a signature deadpan wit, in order to generate far-reaching reflections, which uncover the pettiness subsumed in theoretically sublime concerns. In this fashion, they implement a systematic dehierarchisation that posits new subjective orders and classifications in what surrounds us. In their films, the artists acknowledge certain similarities with educational cinema, yet, by contrast, their works offer no explanations. In fact, far from analyzing, they show their contents with a laconic directness. They also frequently put the spectator in an uncomfortable predicament, sometimes by dint of the disproportionate quantity of stimuli included and other times because of the ambiguous or striking character of what is shown.
Dates:April 30 – August 31, 2009
Place: Palacio de Cristal (El Retiro Park) and the Sabatini Building. (4th Floor, Area D)
Organized by: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
A French pearl from Taiwan in Cannes
Tsai Ming-Liang, Taiwanese director of the fetish movie The Wayward Cloud (El sabor de la sandía) and perhaps the most celebrated Malaysian born filmmaker in the world will this year present his new film, Visages (Faces), for competition.
“Face,” originally “Salome”, set in the Louvre’s royal apartments, around the Pyramid and in hidden sanctums, is a film within a film, about a Taiwanese director (Kang-sheng Lee) who is making a loopy adaptation of the lurid story of Salome (Ms. Casta), the stepdaughter of Herod who demands the head of John the Baptist (Mr. Léaud). Inspired by Truffaut, the cast also includes the Truffaut favorites Jeanne Moreau, Fanny Ardant and Nathalie Baye. Ms. Moreau was an early love of Truffaut’s, Ms. Ardant his last. In “Face” Ms. Ardant plays the part of a producer trying to get her madcap movie made; Ms. Moreau appears to her in a dream, a soothing muse.
Sounds very French Nouvelle Vague!
The movie will premiere on the 13 May at this year’s Cannes Film Festival.
Viajar a lugares lejanos, acumular experiencias, escribir sobre ello: Ilija Trojanow forma parte de una serie de jóvenes autores que escriben con gran éxito en alemán, aunque no sea su lengua materna.
“Der Weltensammler” (El coleccionista de mundos) escrito por el autor Ilija Trojanow, es una prueba evidente de que la literatura, incluso cuando se basa en una biografía, late, vibra e irrita. Ilija Trojanow es búlgaro y ha vivido en Alemania, Italia y Kenia.
Como muchos viajeros, para los que el vagabundear es una necesidad existencial, Ilija Trojanow pasa tanto tiempo de viaje que no considera ningún lugar, sino una lengua, como su patria. Al igual que Wladimir Kaminer, Emine Sevgi Özdamar, Feridun Zaimoglu, o Sasa Stanisic, él también ha hallado su identidad en el alemán, aunque éste no sea su idioma materno. Según sus propias palabras, lo que le gusta del idioma alemán son sus cualidades menos conocidas internacionalmente: su sensualidad, calidez, fluidez y ritmo.
En resumen, lo ajeno de las épocas y los personajes se convierte en fascinación.
“Realmente hay que amar la danza para dedicarle la vida. No te devuelve nada: ni manuscritos que conservar ni pinturas que mostrar en las paredes o tal vez colgar en los museos ni poemas para editarse o venderse.
Nada más que un simple momento fugaz en el que te sientes vivo. La danza no está hecha para almas inestables”
Merce Cunningham
Merce Cunningham cumple noventa años y lo celebra presentando por primera vez en un Museo de España, en Madrid, sus famosos Events.
Cunningham ideó los Events en 1964 como una manera de presentar sus coreografías fuera de un espacio escénico tradicional y con el paso del tiempo se han convertido en una parte fundamental del repertorio de la compañía. Consisten en presentar diversas secciones de coreografías de Cunningham tratando siempre de utilizar secuencias tanto de las obras más antiguas como de las más recientes. El orden de las secuencias se decide el propio día de cada representación. Con anterioridad se preparan diversos extractos de las coreografías y finalmente se adaptan al espacio concreto donde se van a representar.
La colaboración de Cunningham con el compositor John Cage, los artistas plásticos Robert Rauschenberg y Jasper Johns, entre otros, y videoartistas como Charles Atlas o Nam June Paik le han permitido mantenerse en primera línea de la actualidad artística, favorecido por su permanente interés en las nuevas tecnologías aplicadas a los procesos de creación.
Events
Fecha: 7, 8 y 9 de mayo
Hora: 19:00 h y 21:00h
Lugar: Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Edificio Sabatini. Planta 1
Género: Danza
Duración: 60 minutos
Entradas: Entrada libre previa reserva aquí
Die WHITE CITY wird 100 Jahre alt.
Tel Aviv ist ein Dorado für Architektur-Fans: Was viele nicht wissen ist, dass Israels zweitgrößte Stadt mit ihren knapp 400.000 Einwohnern mit ihren etwa 4000 teils wieder renovierten Gebäuden im Bauhaus- und im internationalen Stil die größte Ansammlung von Häusern in diesem Stil ist. Allerdings sind die meisten in schlechtem Zustand, vor allem die mediterranen Wetterbedingungen und Autoabgasen machen den Fassaden zu schaffen.
Die “White City” wurde 1909 vor den Toren Jaffas auf Treibsand gegründet. Das junge Land Palästina, das 1948 zu Israel wurde, brauchte Platz für Tausende von Emmigranten, die aus ganz Europa hierher flüchteten, auf der Suche nach einer sicheren Heimat.
Unter den Neuankömmlingen befanden sich viele Architekten und Künstler, die in Deutschland mit den Ideen der Bauhausschule in Kontakt gekommen waren. Arieh Sharon, Shmuel Miestechkin, Shlomo Bernstein, Zeev Rechter, Richard Kauffmann, Dov Karmi oder Genia Averbuch hießen die Schüler. Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe oder Le Corbusier waren die Lehrer.
Der neue Architekturstil traf den Nerv der Zeit, denn unter der jüdischen Bevölkerung von “Eretz Israel” herrschte eine Stimmung des Neubeginns. Man wollte eine neue, egalitäre Gesellschaft gründen und das spiegelte sich auch in der Architektur wider: schlichter, praktischer und erschwinglicher, funktionaler Wohnraum für Jedermann. Kaum irgendwo sonst wurde die Leitidee der Bauhausschule “form follows function“ so konsequent umgesetzt wie in Tel Aviv.
Schnell merkte man jedoch, dass klimatische und wirtschaftliche Bedingungen im Nahen Osten anders waren, nicht kühl wie in Deutschland, sondern heiß und feucht. Typische Merkmale des dortigen Bauhaus-Stils sind deshalb Flachdächer, vertikale Lichtleisten über den Treppenhäusern und riesige Balkone, in deren Balustraden horizontale Schlitze eingezogen wurden, damit die Luft besser zirkulieren konnte. Um mehr Wohnraum zu schaffen wurden später die Balkone zugebaut, Tel Aviv wuchs gen Himmel. Heute bildet der Rothschild Boulevard, die Allenby Road und Ditzengoff Road ein dicht begrüntes Wohnareal, das im Zentrum der lebhaften Metropole liegt.
Lange hat sich in der Stadt niemand für das architektonisches Erbe interessiert. Erst in den letzten zwei Jahrzehnten besann man sich; Bürgerinitiativen entstanden und Tel Avivs Stadtherren riefen zur Rettung der herunter gekommenen Häuser auf. Schließlich adelte die UNESCO die “Weiße Stadt als ein einzigartiges Phänomen der Geschichte der Modernen Architektur” und setzte die Häuser 2003 auf die Liste des Weltkulturerbes. Geld gab es dafür allerdings nicht – nur Anerkennung. Aber vielleicht verhindert ja genau diese Betitelung den Abriss so manchen Gebäudes. Bauhaus ist wieder ins Bewußtsein der Tel Aviver gerückt und es gilt wieder als schick, hinter einer dieser wundervollen Fassaden zu wohnen. Wer sich es leisten kann.
Park Chan-wook regresa con THIRST
En medio de la saga de chupasangre Crepúsculo llega el drama vampírico “Thirst”.
“Thirst”, es el último trabajo del director surcoreano Park Chan-wook, conocido por Soy un Cyborg, Joint Security Area y su maravillosa trilogía de venganza Oldboy, Sympathy for Lady Vengeance y Sympathy for Mr. Vengeance, y con que compitará para la Palma d’Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes, evento que se celebrará del 13 al 24 de Mayo 2009.
“Thirst” promete una nueva visión del mito vampírico desde una perspectiva dramática y alejada de los clichés del género. Pero, sobre todo, promete el regreso del gran Park Chan-wook.
Sang-hyun es un sacerdote que pasa parte de su tiempo acompañando a los pacientes de un pequeño hospital de su ciudad. Aunque es respetado por su fe inquebrantable y su dedicación por aquellos que lo rodean, sufre el desconsuelo que le provoca la duda y la desesperación de la vida en un mundo que parece ahogarse en el sufrimiento y la muerte. Con el claro deseo de salvar vidas, participa en un proyecto para encontrar una vacuna para un virus letal. Esta misión le conducirá a África donde queda infectado de una enfermedad mortal. Sin embargo, se recupera casi milagrosamente. La gente, convencida de sus poderes de curación, comienzan a peregrinar para conocerlo. Entre los visitantes se encuentra Kangwoo, un amigo de la infancia. Invitado por éste a su casa, Sang-hyun acepta y allí conoce a Tae-ju, la esposa de Kangwoo. Pero esa noche, Sang-hyun tiene una recaída. Entre vómitos de sange, Sang-hyun fallece. A la mañana siguiente recobra la vida convertido en vampiro: se siente reconfortado por una nueva vitalidad pero huye de la luz y siente rechazo por sí cuando se descubre chupando la sangre a un paciente del hospital
“Thirst” está protagonizada por Song Kang-ho (The Host, Secret Sunshine), Kim Ok-bin (Dasepo Naughty Girls), Shin Ha-Kyun (”Sympathy For Mr. Vengeance”) y la filipina Mercedes Cabral.
Se estrenará en Corea del Sur el 30 de abril.
Aquí se puede ver el primer trailer con subtítulos en Inglés.
The impact of performing arts on video games
Brilliant idea! A design engineer from the U.K. who posts to YouTube as “fluxlasers” has started creating levels of the PS3 game Little Big Planet based on conceptual artist Matthew Barney’s five-part meditation Cremaster Cycle. Barney’s unique vision foregrounds the physical rigors of sport and its erotic undercurrents to explore the limits of the body and sexuality.
Someone with the skill and ambition to translate the Cremaster Cycle into the craft-like world of Little Big Planet is absolutely genius.
Fluxlasers has already tackled Cremaster Sackboy in The Order, Cremaster 1 and Cremaster 4, and plans to create Little Big Planet levels based on the other three films in the cycle.
The levels are being created out of order, in the same way Barney created his cycle. And true to the themes explored by Barney, completing a level will unlock the next in the sequence. At the moment we can simply enjoy the creation by watching the videos.
Cremaster Sackboy in The Order
Cremaster
Cremaster 4
Freedom of speech in Israel
Recently, Israeli animation movies are enjoying popularity inside and outside Israel thanks to two important anti-Israeli propaganda animated films made in Israel: Waltz with Bashir and Closed Zone.
One of the most interesting directors of animation these days is Israeli Yoni Goodman, known as the head animator from “Waltz with Bashir”. The acclaimed Israeli animated feature won six Israeli Academy Awards, including Best Movie, and the Golden Globe for Best Foreign Film. The animated film was a nominee at the 2009 American Academy Awards for Best Foreign Film, and was a featured showing at the Cannes Film Festival. The film was first banned in Lebanon but then converted to an underground hit.
“Waltz with Bashir” is an animated, documentary-style story of director Ari Folman’s journey around the world to interview old friends and fellow soldiers as he tries to reclaim his memories of the time he spent on an Israeli Army mission during the 1982 Lebanon War.
Yoni Goodman began his career as illustrator and designer for ‘Maariv’ and ‘Haaretz’, two mayor Israeli newspapers. While studying in the department of Visual Communication of the Bezalel Academy of Art and Design in Jerusalem, he fell in love with animation and hasn´t stopped making it since.
Recently he made a short animated film Closed Zone to highlight the continued blockade of the Gaza Strip and its 1.5 million Palestinian residents. The short film is produced by Gisha, an Israeli human rights organisation that focuses on the right to freedom of movement for Palestinians.
Goodman said he began the film before Israel launched its offensive against Gaza’s ruling Hamas militants in December 2008, but the conflict affected the story.
The film, a combination of animation and real-life scenes, follows a boy chasing a blue bird while large hands block his way. The hands cut Gaza’s borders in the ground with a giant cookie-cutter, then prevent the boy from crossing.
Watch the eloquent illustration of the impact of Israel’s closure policy in the Gaza Strip here.
An interesting interview with Yoni Goodman can be found here.
The Chinese province Yunnan has some of the most magical and diverse scenery in all of China with endless trekking opportunities.Yunnan is not only home to a third of all China’s ethnic minorities but also to the nation´s highest number of species of flora and fauna with a mild climate all year around. One should bear in mind that the size of Yunnan province is almost the same as the one of the Iberian Peninsula. While most travelers to Yunnan head towards Northwest to the Tibetan plateau, passing through the more crowded places of Dali and Lijiang, only few non-Chinese travelers go to the south of the province to the region of Xishuangbanna, which is right next to the border to Laos and Myanmar (Burma). The remaining
(unfortunately endangered) tropical forests embedded by the Mekong river, the local food and the vertical smiles of the people give this region an unforgettable taste of South-East Asia. The Dai are the strongest ethnic population in this region, followed by the minorities of Hani, Lisu and Yao as well as the hill tribes such as the Aini, Jinuo, Bulang, Lahu and Wa.
To see the beauty of the real hidden places and meet local people in their everyday lives, one will need good walking shoes, a backpack with basic stuff and a local guide. Sara was born in Xingping, Yangshuo Guanxi Province in 1974 Since 1995 she lives in Jinghong. She started guiding trekking groups to all parts of the Xishuangbanna region in 1998.
With her excellent knowledge of the forests and the minority areas, Sara can guide your party on a individual customized trek, taking in account your experience and the time you can spare for this trek. Saras Aini and Dai language skills and her fluent English and of course her native Chinese language are the basis for intercultural understanding when you want to get more insights into the way of living of minority tribes of southern China, Yunnan province.
If you only have a day for a few photos or a week to do some real exploring, Sara will create a very memorable excursion for you. Feel free to talk to Sara about any specific request (villages, tribes, waterfalls, length of daily walks, ect)
And when you come back, exhausted but happy and full with new impressions, you’re always welcome to chill out at Sara’s Forest Cafe, drinking fresh, cold Banana milk-shake and have the filling of good tasting home-made meal.
All picture rights by Kalzone
Es difícil clasificar a un músico igual funciona como una marca conocida. Tres años después de I am a bird now, el controvertido artista neoyorquino presenta su tercer álbum, The crying light (Rough Trade / PopStock!), cuyo tema central anticipó en el EP Another world.
Su colaboración con Hercules and Love Affair hacía pensar en un cambio de rumbo con la canción Shake that devil.
Finalmente Antony ha mantenido la línea minimalista de sus anteriores trabajos. Su voz particular es el elemento clave en todo el disco – una maravilla como siempre.
Antony and the Johnsons han anunciado las fechas de su gira por España: 15 de abril en el Palau de la Música de Barcelona (www.telentrada.com) , 5 de mayo en el Kursaal de San Sebastián (www.kutxa.net), 7 de mayo en el Auditorio de Murcia (www.ticktackticket.com) y 11 de mayo en el Palacio de Congresos de Madrid (www.ticktackticket.com). Las entradas ya están a la venta. Sólo falta saber si Antony estará presente también en alguno de los festivales españoles en 2009.
|
